Открытый урок: Виртуальная экскурсия по Третьяковской галерее для учеников 10-ых классов Конец 18 века- начало 19

Иисус и Пилат написаны Ге с непривычной для конца XIX века остротой. Пилат с его выразительным, мощным затылком и широкой спиной показан властным римлянином, самоуверенным сибаритом. Он обращает свой вопрос к обвиняемому без ярости или злобы, с высокомерной насмешкой. Пилата вряд ли интересует ответ на его вопрос «Что есть истина?» – он уверен, что знает его и сам. Между ним и Христом пролегает луч света, разделяющий их, подобно мечу; это напоминает о других словах Христа: «Не мир пришёл Я принести, но меч» (Мф. 10:34). Но более всего необычен здесь Христос.Идущая со времён Возрождения традиция изображать Иисуса физически красивым человеком в русской живописи прерывается как раз на Николае Ге. Христос показан настолько изнурённым, с почерневшим лицом и всклокоченными волосами, что племянница Ге Зоя имела неосторожность заметить, что Он некрасив. Это замечание возмутило Ге, который ответил Зое горячей отповедью: «Красивый! Да знаешь ли ты, что красивого человека нет, есть только красивая лошадь, собака, свинья! Человек должен быть разумен, добр, но никогда отвлечённо красивым быть не может. Нельзя писать «красивого» Христа после того, как сожжены и убиты десятки тысяч христов, гусов, бруно… Неужели же ты, увидав гонимого, страждущего, мучимого человека, прежде всего обратишь внимание, какой у него нос и какие глаза? Неужели же тебе дороже нос, чем его ужасное положение».«Пошлый реализм»На выставке картину встретили плохо: пресса недоброжелательно молчала, а публика, как сообщала в письме сыну жена Ге, прямо перед картиной делались на партии, начинала спорить и ругаться до того, что не знакомые друг с другом люди готовы были наброситься друг на друга с кулаками. Чуть позже журнал «Колосья» разразился убийственной рецензией: «Где найти на этом лице выражение глубокой муки за человечество и ясного, радостного сознания своей исполненной миссии? Взгляните на картину и вы увидите… злого, несимпатичного еврея. Ничто не выдаёт не только Сына Божия, но даже просто гениального и благородного человека». Ге обвиняли в «пошлом реализме» и обзывали «самообольщающейся посредственностью». В конце концов, после трех недель эскпонирования, «Что есть истина?» была со скандалом снята с выставки и исключена из каталога. Таким было распоряжение императора Александра Третьего. Это означало, что картину запрещено показывать на территории России.  Павел Третьяков всерьёз высказывал опасения, как бы кто не уничтожил картину в экспозиции Третьяковской галереи, и, при всём уважении к Ге, отказался её покупать, чем Нашёлся, правда, энтузиаст – некто Н.Д. Ильин, присяжный поверенный по роду службы и фанатичный толстовец по призванию – который взялся организовать показы картины Ге в Европе и Соединённых Штатах. Это удалось осуществить. Но и там картину не поняли: очевидно, её время еще не пришло.Картина с секретомТатьяна Львовна Сухотина-Толстая, дочь писателя, в мемуарах упоминала, что картину «Что есть истина? Христос и Пилат» Ге написал поверх другой картины, тоже на библейскую тему. Та, первая, картина называлась «Милосердие» и изображала Христа и женщину-самаритянку у колодца. «Милосердие» было встречено публикой плохо, а Ге отнюдь не испытывал священного трепета перед собственными работами: картину, которая казалась ему неудачной, он легко мог записать, отрезать часть холста и даже бросить в мастерской под ноги.В 2011-м году Третьяковская галерея проводила масштабную выставку Ге. К тому моменту появилась возможность проверить слова Татьяны Львовны при помощи рентгенограмм (их было сделано в процессе исследования не менее 30-ти) и других современных методик. Действительно, под красочным слоем картины «Что есть истина?» обнаружилось утраченное «Милосердие».Округлое темное пятно, которое со временем проступило на картине между лицами героев картины «Что есть истина?», когда-то было головой Христа с картины «Милосердие», а женщину-самарянкуГе переделал в фигуру Христа. Полученная реконструкция «Милосердия» в 2011-м году экспонировалась рядом с картиной «Что есть истина?»Эта картина интересна не только своей художественной составляющей, но и тем, что имеет несколько масляных слоев. Художник в момент создания шедевра находился в бедственном положении, поэтому, если общество не принимало одно его произведение, он рисовал поверх него другое.Зритель на картине видит Пилата, выходящего из дворца и неожиданно встречающего Иисуса Христа. Правитель Иерусалима остановился и высокомерно задал мученику вопрос. Он не отвечает на это.Интересным решением художника стало использование красок. Пилат, согласно христианскому учению, относится к представителям темной стороны. Но он исполнен на полотне в ярких красках. Об этом свидетельствует не только обычная белая тога, но и падающий на нее солнечный свет, видимо, проникающий через проход. А Иисус, наоборот, не просто в тени. Его одежда соткана как бы не из дешевого материала, обычно надетого на заключенных, а из чего-то более дорогого, но почему-то темного цвета.На лице Пилата видна легкая улыбка, как будто он насмехается над судьбой узника. Тот же, в свою очередь, смиренно смотрит на правителя своих земель, в его глазах нет и тени осуждения, направленных против Пилата и его действий.Разницу в позициях подтверждают выбранные художником формы тел этих героев. У Пилата мощная фигура, занимающая почти треть полотна. Он уверен в себе, в своем решении. И Иисус контрастирует с ним. Мученик словно загнан в угол. В отличие от Пилата, он прятал руки за спину, тем самым как бы желая еще больше отдалиться от происходящего.Пилату не удается разглядеть истину, скрытую под сенью слегка хмурого взгляда святого. Возможно, именно поэтому Иисус находится во тьме. Художник, видимо, хотел таким образом показать, что истина святого покоилась далеко от Пилата.39 зал Нестеров «Видение отроку Варфоломею» «На Руси (душа народа)» Нестеров «Видение отроку Варфоломею»Михаил Васильевич Нестеров - русский художник, родился 19 мая 1862 года в Уфе. Художественные способности проявились у мальчика в раннем детстве,с 1877 по 1881 год и с 1884 по 1886 год учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у художников-реалистов Василия Перова и Иллариона Прянишникова. С 1881 по 1884 год работал у Павла Чистякова (1832–1919) в Академии художеств в Санкт-Петербурге. В имении Саввы Мамонтова в Абрамцево он познакомился с самыми влиятельными живописцами того периода, находившегося тогда в эпицентре развития русского модерна. Нестеров стремился соединить этот стиль с глубокой православной верой; однако в своем стремлении возродить религиозное искусство на него больше повлиял французский символизм, особенно Бастьен-Лепаж, чем древнерусская иконопись. Для всех полотен Нестерова характерен лирический синтез фигур и их пейзажного окружения, художникначинает проявлять себя как зрелый и самобытный мастер живописного искусства. На большой картине маслом "Видение юного Варфоломея" (1889-90; Москва, Третьяковская гал.) - изображена легенда о детстве русского святого Сергия Радонежского. Молодому Варфоломею (будущему преподобному Сергию) является монах и пророчит ему славное будущее.Эта перваяи самая известная работа в его серии, посвященнаярелигиозному сюжету, оСергии Радонежском, средневековом русском святом, считается «первой работой русского символизма» и находится в собрании Третьяковской галереи в Москве. Образ преподобного Сергия Радонежского, урожденного Варфоломея, был близок художнику с детства и был для Нестерова воплощением нравственного идеала. Нестеров отводил преподобному Сергию особо важную роль в сплочении русского народа. Картина иллюстрирует эпизод из «Жития преподобного Сергия»Епифания Мудрого: Однажды отец отправил его искать потерявшегося жеребенка. На своем пути он встретил монаха, преподобного старца, странника, священника в виде ангела. Этот незнакомец стоял под дубом, благоговейно молился и обильно проливал слезы. Юноша, увидев его, смиренно поклонился и стал ждать окончания своих молитв.Преподобный монах, окончив молитву, взглянул на отрока и, сознавая, что видит избранный сосуд Святого Духа,  подозвал его к себе, благословил, воздал ему лобзание во имя Христово, и спросил: "Что ты ищешь, или чего ты хочешь, дитя?" Отрок ответил: «Душа моя более всего желает понимать Свешенное Писание. Мне нужно учиться грамоте и письму, и я очень досадую, что не могу научиться этим вещам. Не попросишь ли ты, святой отче, Бога за меня, чтобы он даст мне понимание книжного обучения?» Преподобный воздел руки и глаза к небу, вздохнул, помолился Богу, потом сказал: «Аминь».Вынув из ранца, как сокровище, тремя пальцами, он подал мальчику то, что оказалось просфорой из белого пшеничного хлеба, сказав ему: «Возьми это в рот, дитя, и ешь». Это дано тебе в знак благодати Божией и для понимания Священного Писания. Хотя дар кажется небольшим, вкус его очень сладок. С этого времени Варфоломей научился читать и писать, стал монахом и принял имя Сергий.Свои зарисовки пейзажей художник делал в 1899 году в окрестностях Троице -Сергиевой Лавры,   поселившись в селе Комяково близ Абрамцева и Радонежа. Абрамцево стало одним из его любимых мест. Там он закончил пейзажную часть. Картина, вызвавшая самые противоречивые мнения, стала сенсацией на XVIII выставке передвижников и была куплена Павлом Третьяковым для своей галереи. До конца жизни художник был убежден, что «Видение отроку Варфоломею» осталось его лучшим произведением. В старости художник говорил:Я не буду тем, кто живет. "Отрок Варфоломея" будет. Если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он еще будет что-то рассказывать людям - значит, он жив, значит, я жив.Жить буду не я. Жить будет «Отрок Варфоломей». Неизменной осталась тема творчества художника и тема природы. Пейзажные работы мастера отличаются особой душевностью и поэтичностью. Но эта тема постоянно находила отклик у религиозных.Это знаменитое «Видение юного Варфоломея» (будущего Сергия Радонежского, 1889–1890), написанное под Абрамцево, – картина, где чудесным чувством пронизаны в равной степени фигуры и типично-среднерусские пейзажи.39 зал Нестеров «На Руси (душа народа)»В монументальных лирических портретах художника наиболее выразительными были образы родных и близких духовных людей. В больших, «соборных» картинах Нестеров стремится выразить великие рубежи духовного обновления. Самая большая картина мастера, «На России» («Душа народа», 1916).Идея написания картины «На Руси» у автора возникла за 10 лет до этого и первоначально называлась «Христиане». Художник размышляет о судьбе русского народа и судьбе своей страны. Не зря в сюжете развиваются перипетии, начиная от античности и заканчивая современностью.Здесь мы видим раскол России, и Толстого, и Достоевского«Очарованный странник»,Царя с Патриархом, слепого солдата и сестру милосердия. На фоне русского пейзажа прямо к самому Богу все они движутся Крестным ходом. У каждого свой путь к Богу, но все идут в одном направлении, одни идут торопливо, суетливо, другие – не так быстро, но уверенно. Впереди такой многоликой процессии стоит 12-летний крестьянский мальчик. Художник хотел показать его как наиболее совершенное воплощение души народа.Философы, писатели, художники, творившие в пространстве отечественной культуры конца XIX – начала ХХ в., не раз пытались объяснить феномен данной композиции. В «рубежное» время, пронизанное мистицизмом и пророческими прозрениями, интерес к постижению национального характера обострился неслучайно. Он был вызван особенностью философско-религиозной культуры богоискательства тех лет, полагавшей, что именно русскому народу – «народу-богоносцу» предстоит осуществить великую миссию в Европе – начать духовное примирение людей через единение всех во Христе.Многим русским деятелям в той или иной мере оказался близким взгляд на Россию, «Святую Русь» как на спасительницу всего православного мира, подлинную преемницу и хранительницу восточно-христианской традиции, идущей из Византии. Эта идея находила горячее сочувствие у М. В. Нестерова, в чьем творчестве выразилась сущность русской идеалистической философии: принятие мира, как целого, вселенной, как церкви. Воплощение образа «молящейся Святой Руси», грешной и кающейся, падающей и поднимающейся, в трудных исторических обстоятельствах ищущей ответа у Бога, чье назначение «было, казалось, явить на земле народ христианский по своему верованию, по стремлению, по духу своей жизни и, сколько то возможно, по своим действиям», определило основную программу его творчества, сохранившуюся неизменной в течение всей жизни.41 зал Серов «Девочка с персиками» «Похищение Европы» Знаменитая работа художника В. Серова — картина «Девочка с персиками» — написана летом 1887 года. Героиня портрета — дочь известного предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова — Вера. Девочке было всего 12 лет, когда мастер взялся писать ее портрет.Девушка сидит в столовой загородного дома своего отца, держит в руках персики. Казалось бы, обычная сцена, но есть в персиках что-то особенное — они выращены в селе Абрамцево Московской области.Работа далась ему нелегко, и на завершение полотна у него ушло три месяца. Но по самой картине этого не скажешь: она настолько пронизана легкостью, воздушностью и светом, что кажется, будто она создана на одном дыхании. Вера словно сидит неподвижно, внимательно глядя на зрителя. Но в ее смуглом лице, на котором выступил румянец, в темных растрепанных волосах заметно, что всего несколько минут назад девочка играла в залитом солнцем саду. Еще мгновение, и она отрывается, как бабочка от цветка, снова в сад играть с детьми. И именно этот момент был пойман талантливым художником.Что еще может рассказать нам картина? Если внимательно присмотреться, то видно, что скатерть свернута и аккуратно уложена так, что ее края не свисают со стола. Обычно так делали в тех домах, где были маленькие дети, чтобы они не могли дернуть за конец скатерти и опрокинуть все, что поставлено на стол. Именно на этом отвороте находятся персики, нож и пара кленовых листьев.Судя по всему, персики Вера просто принесла сюда, чтобы угостить своих товарищей по играм, а может, младшего брата или сестричку. Наверное, для этого ей нужен нож: нужно разрезать персик и достать из него косточку. А листья – это импровизированные тарелки для половинок фруктов. Если посмотреть в глаза девушке, то можно увидеть, что взгляд у нее загадочный, в нем есть даже что-то цыганское. Вера обаятельна и непосредственна, в ее внешности чувствуется, что она настоящая заводила среди детей. И вот она нашла лишнюю минутку, чтобы прихватить для всех угощение из зимней столовой. Ее лицо сияет от счастья, и все вокруг нее сияет. Именно поэтому картина кажется такой гармоничной и жизненной.Все, чего стремился добиться художник, — это свежесть, та особенная свежесть, которую всегда чувствуешь в природе и не видишь в картинах. Благодаря приемам, взятым из импрессионизма, В. Серову удалось неподражаемо передать игру солнечного света, его насыщенность и даже то, что трудно правильно нарисовать, - воздушность и быстротечность момента. «Девочка с персиками» дарит зрителю ощущение радости и счастья.Характерное и конкретное слилось с вневременным и общим. Творчество художника отличает правдивость, глубокое понимание человеческой природы и мотивов человеческих поступков.Солнечные лучи, пронизывающие комнату, отражаются в голубых пятнах на розовой блузке девочки и в розовых пятнах на скатерти. Искрящийся свет, отражающийся от полированной мебели, передает ощущение светлого, радостного, безоблачного мира, мира, далекого от смятения и страданий, привлекавших внимание зрителей.Художник Серов Валентин Александрович известен многим как автор портретного жанра. Особенно известен его данный портрет «Девушка с персиками», насыщенный солнечным светом и прозрачной, воздушной легкостью теплого дня. Картина «Похищение Европы» кардинально отличается от более ранних картин Серова не только жанром, но и композицией и стилистикой изображения.Серов «Похищение Европы»С древних времен греческие мифы вдохновляли художников, скульпторов и поэтов на создание произведений искусства. Мифология и по сей день представляет собой богатый мир героев и историй. Мифы передают дух древней Греции, места, где красота увековечивалась и увековечивалась. Неудивительно, что именно их сюжеты чаще всего становятся предметом изобразительного искусства.«Похищение Европы» — шедевр, созданный в 1910 году Серовым Валентином Александровичем, известным русским художником. Мастера вдохновила поездка в Грецию в 1907 году. В частности, Серова поразили руины Кносского дворца.Художник обращается к популярному в античной мифологии сюжету о похищении прекрасной Европы Зевсом. Девушка была дочерью финикийского правителя Агенора. Могучий Зевс влюбляется в нее и решает похитить. Для этого он превращается в быка и в таком виде предстает перед Европой и ее друзьями. Как только девушка, обманутая миролюбивым поведением животного, забирается ему на спину, бык бросается в море и увозит возлюбленную на остров Крит. Европа становится женой греческого бога, у них рождается трое сыновей.Эта древняя легенда неоднократно вдохновляла художников задолго до Серова. Но его полотно сильно отличается от работ предшественников. Нет ничего от светлых тонов, легкости и изящества линий и мраморной прозрачности академических канонов. Картина Серова производит, скорее, впечатление масштабности и монументальности.Интересна композиция картины «Похищение Европы». Все построено на диагональном движении. Это создает эффект интенсивного движения и устремления вверх. Силуэты всех персонажей — девушки, Зевса, дельфина — намеренно вытянуты по диагонали. Линия горизонта очень высокая. Большая часть пространства полотна отведена изображению моря, грозного, бушующего и беспокойного.В центре композиции – бык с Европой, которая в испуге вцепилась в него. Движения Зевса, мощно рассекающего морские волны, повторяют движения дельфина, что только усиливает динамику картины и придает ей особый ритмический рисунок.Необычно и цветовое решение получается. Серов использует насыщенные, яркие цвета. Он отходит от древних канонов и делает быка не белоснежным, а оранжево-терракотовым. Возможно, художника вдохновили фрески, увиденные им на острове Крит. Особенно ярко это пятно выделяется на фоне сине-фиолетовых волн, сливающихся со свинцово-серым небом.42 зал Серебрякова «За туалетом. Автопортрет» «За завтраком» Композиция представляет собой автопортрет художника: в зеркале отражается молодая женщина. Эффект присутствия подчеркивается тем, что на изображении видно изображение зеркальной рамы и зеркальной свечи. Художница как бы позволяет зрителю взглянуть на нее своими глазами.Девушка на снимке расчесывает свои прекрасные густые волосы. На ней легкое платье, поза естественная и непринужденная, она смотрит на себя. Взгляд главной героини полотна завораживает и влюбляет в себя, он наполнен теплотой и жизнелюбием, кажется, что вот-вот девушка запоет или искренне посмеется.На переднем плане мы видим флаконы духов, голубую подушку на шпильках, коробочку с бусами, ленточками и кружевными салфетками. Простой девичий комплект говорит об игривости девушки, она молода и хочет подчеркнуть свою красоту приятными мелочами.Из описания картины Серебряковой видно, что гармония теплых оттенков подчеркивает свежесть и молодость Зинаиды Евгеньевны. Во всем видна любовь к повседневным мелочам, которые его окружают. На заднем плане цветовая гамма более приглушенная, холодная. Позади девушки, в противоположной части комнаты, есть таз для умывания и кувшин.Подводя итог описанию картины Серебряковой «За туалетом. Автопортрет», можно сделать вывод, что эта работа является отражением внутреннего мира художницы, ее сияния и подлинной женской красоты.Эту работу нарисовала сама художница - Автопортрет девушки написан в 1909 году, когда ей было 25 лет.Полотно было написано в зимний период, когда она жила в Курской губернии, в селе Нескучное. Как писала в письмах сама художница, зима в тот год пришла рано, кругом снег. В доме было уютно и очень тепло, вдохновившись душевной домашней атмосферой, она начала рисовать. Сегодня эта картина хранится в Третьяковской галерее.Как отмечает известный искусствовед А. Савинов, в этом автопортрете нет манерности и выдумки, что было характерно для живописи начала ХХ века. Эта искренняя искренность завораживает и заставляет радоваться жизни так же, как радуется эта талантливая девушка.Искусствовед Д. Сарабьянов сказал, что в этом произведении самое привлекательное - удивительная женственность женщины. Как и Савинов, Сарабьянов подчеркивает простоту обстановки и общую ясность произведения.42 зал Серебрякова «За завтраком»Картина «За завтраком» - одна из самых известных в творчестве русской художницы Зинаиды Серебряковой. Известно, что на ней изображены собственные дети художника. Мать запечатлела их сидящими за столом в ожидании еды. При взгляде на картинку можно предположить, что дети ждут обеда, но на самом деле это был завтрак. Отсюда и некоторая путаница с названием картины. Но все объясняется просто: семья художника жила тогда (в 1914 году) по европейскому распорядку дня. Рано утром у них был небольшой завтрак, а затем, в полдень, последовал большой, который по-нашему уже считается обедом.Портрет написан таким образом, что у зрителя не возникает ощущения, что позируют ребята. Наоборот, кажется, что они достаточно активны. Особенно это видно по Шурику, который обернулся, чтобы посмотреть на маму. Как будто он ждет, когда она тоже присоединится к трапезе. Сам он уже начал есть суп. Его брат, Женя, более спокойный ребенок, до сих пор пьет воду. Но мы видим руки бабушки, разливающей суп и его. Их сестричка, положив свою пухлую ручку прямо на тарелку, испытующим взглядом смотрит на маму-художницу. У каждого из трех детей есть свое особое выражение лица и поза. Ребята одеты в скромную, но элегантную одежду.Следует обратить внимание на то, как сервирован стол. Это было сделано в благородных традициях того времени: белоснежная скатерть, специально сложенные салфетки, изящный графин, фарфоровый сервиз. Среди последних особенно примечательна расписная фарфоровая супница, создающая у современного человека обманчивое впечатление, будто на картине изображен обед.Эта сервировка стола напоминает нам о былых временах, когда жизнь людей была более спокойной и размеренной. Однако на столе есть и другие, более простые предметы: стаканы, сахарница, кувшин с молоком. А глядя на аппетитные румяные булочки, мы чувствуем, будто чувствуем запах исходящего от них аромата. Картина Серебряковой получилась удивительно трогательной, поэтичной и одухотворенной. Невозможно не впечатлиться, глядя на эти живые искренние лица детей. В их глазах мы словно видим отражение их чистых невинных душ. В такой манере художница создала многие свои работы, это был ее особый стиль и почерк. Переходим в следующий зал – 47. Перед вами интересная картина репродукции Николая Рериха, многие из вас узнали - «Заморские гости», написанная в 1901 году. Вдохновением для картины послужило морское путешествие, которое художник предпринял двумя годами ранее в Новгород. Во время путешествия погода была на удивление хорошей, и художник на мгновение подумал, что когда-то точно так же плавали наши предки – русичи.Проект картины был задуман давно, и только в 1901 году он представил его публике. Эта картина так понравилась императору Николаю II, что император изъявил желание приобрести эту картину.В качестве основного материала художник использовал краски для народной росписи. С их помощью Николай Рерих нарисовал лодку, реку и красный парус, символизирующие принадлежность к русичам. В это время начало распространяться новое течение - модернизм, и художник умело воссоединил традиции современности и эстетику прошлого.Рериху удалось добиться максимальной простоты изображения, передав тем самым всю глубину своего замысла – показать современникам, в каких условиях плавали по рекам наши предки и какие суда для этого использовались. Художник показал тонкое сочетание всех деталей в картине «Заморские гости», не упустив даже самых незаметных элементов — плащей для плащей. Историки отмечают, что картина относится к временам расцвета Киевской Руси, когда не только русские, но и норманны, и половцы плыли по пути «от варягов от греков». На картинке заметно, что русские использовали дракары северных народов (их легко отличить спереди по стилизованному мифическому дракону).Таким образом, сюжет картины относится к X-XI векам. На ней изображены два корабля, плывущих в хорошую погоду в сторону Новгорода. Картина написана в очень простом стиле и кажется, что время в ту эпоху было таким же тихим и прекрасным, как погода на синей реке.«Заморские гости» Николая Рериха отправляет зрителя в романтический мир сильных и отважных варягов, которые, как утверждал сам художник, внесли «новый толчок» в русскую историю. Поэтический строй полотна и его сказочное изящество способствуют необычности темы истории. Мастер использует несколько приемов русского народного творчества - лаконичный рисунок и насыщенные декоративные тона. Эта неотъемлемая связь с народным творчеством была указана в каталоге персональной выставки Рериха (1903 г.), где это произведение значится как «Заморские гости» и считается народной картиной. Мы надеемся, что данное произведение расширит представление о широком спектре и глубине интересов и взглядов Рериха на человеческую природу и культурную историю.Полотно написано в мастерской Фернана Кормона в Париже, где Рерих учился. Позднее художник повторил картину для коллекционеров.Николай Рерих (1874-1947) известен многим как живописец. Его картины, которых тысячи по всему миру, исследуют мифическое происхождение, природную красоту и духовные стремления человечества и мира. Но Николай Рерих был столь же плодовитым писателем, как и художником. Он написал много статей, книг, стихов и почти ежедневных очерков о жизни и событиях, которые он называл «листами дневника».Художественная практика расширяет знания об искусстве, ведь только с позиции творца можно увидеть и лучше понять процесс создания произведений. Понимание искусства и красоты, конечно же, меняется от эпохи к эпохе. Но, в то же время, всегда можно найти удивительные исторические и культурные параллели между настоящим и прошлым. познакомиться с жизнью и творчеством известных художников Третьяковской галереиконца 18 века- началоXIX века.